9/1 (二) 19:10
主講人 邱琳婷老師
博物館和人一樣是有個性的，它的歷史軌跡會影響「什麼樣的收藏品能夠入住博物館」——羅浮宮（Musée du Louvre）原本是十二世紀末，為了防禦建造的城堡，到了法國大革命時期，成為向公眾展示法國皇室藏品的博物館，縱覽羅浮宮的歷史，能夠清楚地看見法國皇室的際遇。
王室光輝的興盛和殞落——從城堡到博物館
查理五世（Charles V）是法國第一位入住羅浮宮的國王，開啟了皇室與羅浮宮的歷史書寫；第二位入住的國王弗朗西斯一世（François I）則將「文藝復興風格」引入了羅浮宮，他和許多當時有名的藝術家有密切來往，如達文西就是死在這位法國國王的懷中。之後的幾名國王，如亨利二世（Henri II）和他的皇后凱薩琳・梅迪奇（Catherine de Médicis）規劃完成了杜勒麗宮（Palais des Tuileries）和杜勒麗花園（Jardin des Tuileries）；亨利四世（Henri IV）與路易十三（Louis XIII）在位期間建造了大長廊，連結羅浮宮和杜勒麗宮。
到了路易十四（Louis XIV）——法國皇室權力最鼎盛的時期——卻從羅浮宮搬出，將住所遷到了凡爾賽宮。若說弗朗西斯一世開啟了文藝復興，路易十四則預告了另一個時代的來臨——巴洛克時期。而隨著法國大革命期間，路易十六（Louis XVI）被送上斷頭台，羅浮宮亦被作為博物館向公眾開放，曾經絢極一時的皇宮遂變為一般平民的博物館。
皇室品味——從巴洛克到洛可可
羅浮宮中最重要的兩位女人「瑪麗梅迪奇皇后」（Marie de' Medici）和「龐帕度夫人」（Madame de Pompadour）分別代表了法國皇室的兩種品味——前者屬於巴洛克式奔放、充滿力度的風格，後者則代表洛可可式的精緻細膩、優雅與甜美。
關於瑪麗梅迪奇皇后，最著名的系列畫作是由畫家魯本斯（Sir Peter Paul Rubens）所繪的「24幅瑪麗梅迪奇皇后的畫像」。瑪麗皇后統治時期，在法國歷史上其實有著很大的爭議，包括皇后攝政、逃亡和放逐等，面對如此具爭議性的政治現實，魯本斯透過神話典故、文學修辭的借用和巴洛克風格的戲劇效果，完成了藝術美化。
《瑪麗皇后的命運》（The Destiny of Marie de' Medici）以命運三女神的形象作為瑪麗皇后命運的開場；《公主的誕生》（The Birth of Marie de' Medici）上方由女神撒下金粉，暗示公主一生下來非富即貴，而盾牌上的法國國花則象徵瑪麗皇后與法國不可分割的命運牽扯；《公主的教育》（Marie’s Education）以雅典娜代表智慧、阿波羅代表音樂、宙斯的信使代表雄辯，象徵瑪麗所受的能力培養。魯本斯以神話和現實交融，完成了巴洛克式的繪畫想像，實現瑪麗皇后所希望加諸在她身上的「統治合法性」。
龐帕度夫人作為路易十五（Louis XV）的情婦，以玫瑰粉紅為其代表色，衣服上常有小蝴蝶結、蕾絲作為裝飾，凸顯出極致優雅的風格。洛可可時期的藝術家會作畫在色紙上，呈顯出的色彩較為柔和，曲線也較為平面、細緻，與巴洛克時期誇張的線條扭轉和極鮮豔的色彩對比大為不同。
羅浮宮繪畫史——從文藝復興到浪漫主義
羅浮宮中的繪畫收藏，從文藝復興開始，演繹出一系列豐富的藝術史長河。鎮館之寶《蒙娜麗莎的微笑》（La Gioconda）即為文藝復興最著名的代表作品，文藝復興「以人為本」的人文主義精神，既重視「人的侷限」也看到了「人的超越」。人有生老病死，但透過藝術的創作卻能達到永垂不朽，同時，人亦可透過藝術畫出世界的樣貌，掌握著創造的能力。繪畫技巧上，文藝復興時期的畫家擅於在平面的紙上，複製出立體的視角，並且展現出鉅細靡遺、理性的描繪。
若以一個詞語來形容各時期的藝術風格，巴洛克時期的代表詞語該屬「力度」，充滿戲劇性的張力，扭曲的線條與鮮豔的顏色是巴洛克藝術最鮮明的特徵；而洛可可的代表詞語則該當「情調」，洛可可時期的繪畫作品，最重要的是氛圍的渲染，而非寫實與否。
新古典主義的「典範」風格，則會為了畫面效果扭曲線條的比例，如安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres）的名作《大宮女》（Grande Odalisque），明顯延長了畫作女主角的脊椎線條。新古典主義的藝術家認為，繪畫作為藝術要有一套自己的視覺風格。浪漫主義的「激情」風格，以情感的洶湧衝破形式規矩，毫不保留地展現出人類情感的澎湃，如傑里科（Théodore）的《梅杜莎之筏》（Le Radeau de la Méduse）以三角形構圖呈現不安與慌亂；德拉克洛瓦（Eugène Delacroix）的《自由領導人民》（La Liberté guidant le peuple），以聖女貞德為主題，情感噴湧而出，後亦成為紐約自由女神的靈感來源。
